Home-theater-designers
De Gouden Eeuw van Animatie bracht ons een schat aan geliefde klassiekers, waarvan vele door Disney's Nine Old Men.
Hoe zorgde dit kunstenaarscollectief voor een revolutie in een hele industrie? Velen zullen je vertellen dat het allemaal begon met een muis, maar wij weten wel beter. Hun echte geheim was een creatief manifest waarin de 12 ingrediënten worden geschetst die geweldige animatie maken.
Deze 12 tijdloze principes zijn vandaag de dag nog net zo relevant als ten tijde van hun conceptie.
1. Squash en stretch
Animators hebben geen andere manier om de fysieke eigenschappen van een personage of object over te brengen dan door middel van visuele aanwijzingen op het scherm. Veel animators zullen je vertellen dat goede animatie minder te maken heeft met het ontwerp en de maniertjes van je personages, maar meer met hoe reactief hun persoonlijkheden en uiterlijk zijn op wat er om hen heen gebeurt.
Squash en stretch passen beide in de neiging van animatie om de werkelijkheid te 'cartooniseren'. De 'natuurlijke' beweging van de bal die van de grond stuitert, wordt overdreven door de 'overreactie' van de bal op de barrière.
2. Anticipatie
Je animeert een scène die zich afspeelt bij een openbaar zwembad. Je hoofdpersoon, een zachtmoedige middelbare scholier, staat op het punt voor het eerst van de high-dive te springen. De kans is groot dat deze verlegen jongen niet zomaar een dunk neemt zonder zich eerst emotioneel voor te bereiden. Al deze anticiperende overwegingen voegen een duidelijke rijkdom toe aan uw wereld.
Je personages zijn nu, plotseling, veel meer dan generieke automaten die de scène bevolken. Ze weten dingen. Ze voelen dingen. Ze vermijden pijn en neigen naar datgene waar ze blij van worden.
Dit principe heeft in veel opzichten veel meer te maken met het vermogen van de animator als verhalenverteller dan met iets anders. De sleutel tot anticipatie zit echt in hoe de actie is geschreven.
3. Staging
Mise-en-scène is een term in de wereld van live-action film. Het verwijst naar de orkestratie van elementen op het scherm en de manier waarop de auteur deze ruimte gebruikt om zijn of haar punt over te brengen. Dezelfde overweging geldt hier geestelijk.
Door de geografie van het frame doelgericht te maken, kunt u het oog van de kijker leiden en zijn aandacht precies daar houden waar u het wilt. Alles moet duidelijk, weloverwogen en op een manier worden uitgedrukt die ze voor later kunnen bewaren.
4. Poseren om te poseren versus recht vooruit animatie
Kiezen tussen recht vooruit en pose-to-pose-animatie is een van de eerste technische beslissingen die je moet nemen voordat je dingen gaat uitzoeken. Deze tweedeling vertegenwoordigt twee verschillende stromingen.
De kunstenaar stippelt van tevoren zijn of haar koers uit, bestemming voor bestemming, of begint gewoon bij het begin en onderzoekt de actie die hij of zij zonder terughoudendheid op papier wil zetten.
Animatie van pose om te poseren
Stel dat u een vrouw animeert die wasgoed aan een waslijn hangt, bijvoorbeeld. In werkelijkheid zijn er geen nette afbakeningen die deze reeks in delen opsplitsen.
Een animator die een pose to pose-benadering toepast, kan beginnen met een frame van de vrouw die hurkt om een shirt op te pakken. De volgende pose kan zijn dat ze staat met het shirt voor haar uitgestoken.
Er worden poses toegevoegd totdat alle was is gedaan en ze zich voor de middag heeft teruggetrokken. Je hebt slechts vijf of zes frames getekend, maar de scène is al tot op zekere hoogte geschreven.
Poseren om te poseren animatie is een geweldige manier om te werken als je iemand bent die graag weet wat er gaat gebeuren voordat je vertrekt. Deze eerste paar frames staan bekend als keyframes. Traditioneel werden deze frames getekend door de meest ervaren leden van een animatieteam.
Nadat de hele productie in kaart was gebracht, vulden assistenten op juniorniveau de lege plekken tussen elk keyframe in om deze oriëntatiepunten te koppelen aan actie.
Recht vooruit animatie
Door je personage van punt A naar punt B recht vooruit te krijgen, krijg je soms nieuwe, onverwachte ideeën. Terwijl je tekent, kunnen vonken van creativiteit de actie revitaliseren die ingeblikt of mechanisch kan aanvoelen als je van pose tot pose wordt getekend.
Je bent vrij om te improviseren en een paar nieuwe wendingen te nemen naarmate je vordert; je hoeft je nooit zorgen te maken dat je 20 of 30 frames later tegenkomt. Als je animeert op muziek, kun je elk frame markeren waarop de beat van het nummer valt om de animatie te coördineren en ritmische structuur te geven.
hoe documenten op iphone te scannen
Verwant: De beste teken- en schilder-apps voor Android
5. Overlappende actie en volgende actie door
Wanneer mensen op natuurlijke wijze bewegen, zullen het gewicht van hun ledematen en hoe losjes ze zijn verbonden met de romp van hun lichaam beide gemakkelijk duidelijk zijn. Het nabootsen van dit effect heeft minder te maken met het creëren van actie, maar meer met de manier waarop uw onderwerp fysiek reageert nadat de actie heeft plaatsgevonden.
Zonder deze extra's kunnen de objecten of personages die je tekent star en levenloos lijken. Als het haar van een mooie vrouw lichter is dan lucht, moet het om haar heen zweven terwijl ze beweegt in plaats van te hangen als natte spaghetti. Of, erger nog: ze beweegt helemaal niet terwijl ze elegant door de kamer raast.
6. Timing
Als verhalenverteller zorgt het ontwikkelen van een gevoel voor effectieve timing er niet alleen voor dat uw werk er beter uitziet en aanvoelt, het maakt uw verhaal coherenter, heeft meer impact en waarschijnlijk veel gemakkelijker voor uw publiek om te verteren.
Deze categorie kan ruim worden geïnterpreteerd. De fysieke kenmerken van elk element op het scherm moeten worden gekenmerkt door de timing van de beweging.
Ook belangrijk om te overwegen is hoe goed je gevoel voor dramatische of komische timing is afgestemd. Je kunt je publiek niet meer geven dan ze tegelijk kunnen kauwen. Omgekeerd wil je ook voorkomen dat je ze tot onderwerping verveelt met een flauw frame of dode lucht. Balans is de sleutel. Betrek ze zonder ze te overweldigen of verwarren.
7. Boogvorming
Stel je een kind voor dat een bal recht in de lucht gooit. Als de bal terug naar beneden valt, valt hij naar voren, afhankelijk van de richting waarin hij werd gegooid.
Nadat de bal is geland, zal een stap achteruit en het volgen van zijn pad door de lucht een omgekeerde curve onthullen. Objecten die door de zwaartekracht zijn gebonden, reizen in bogen zoals deze wanneer hun beweging de natuurwetten uitdaagt. Als u deze neiging in gedachten houdt, kunt u bewegingspatronen plannen die verkopen.
8. Secundaire actie
Het lexicon van de animator is er een vol met subtiele onderbewuste signalen. Als je foto's maakt in een live-action context, zwaait de jurk van je hoofdrolspeelster om haar kuiten terwijl ze beweegt. Deze secundaire actie is spannend voor de kijker. Het houdt de boel in beweging.
Secundaire actie kan ook emotionele signalen bevatten. Je personage speelt met zijn duimen terwijl hij een ongewone situatie aan een vriend probeert uit te leggen. Ze emoten terwijl ze spreken; elk stukje secundaire actie moet een indicator zijn van de interne toestand van het personage.
Gerelateerd: De beste tekentabletten voor digitale artiesten
9. Langzaam in en langzaam uit
Dit principe verwijst naar de historische neiging van animators om hun werk rond elk vooraf getekend sleutelframe te 'verzamelen', als ze een dergelijke benadering gebruiken. In wezen worden er meer frames rond deze keyframes getekend dan er verder tussenin worden getekend, wat twee dingen doet voor het publiek.
Ten eerste wordt elk keyframe visueel benadrukt, omdat er meer tijd wordt besteed aan het in- en uitstappen van deze sleutelposities dan aan de overgang tussen beide. Ten tweede vermindert het de tijd die het publiek wacht tussen deze veel meer verhalende belangrijke momenten in de tijd.
Wat mensen echt willen zien, zijn alle rare dingen die deze korte pauzes accentueren tijdens het reizen van scène naar scène.
hoe het klembord op de telefoon te wissen
10. Solide tekening
Dit zal voor de avant-garde onder ons moeilijk te horen zijn, maar je technische bekwaamheid als artiest zal een belangrijke rol spelen in hoe effectief je actie op het scherm kunt overbrengen.
Verbetering van perspectief, verkorting en zelfs de principes van basisgeometrie houden elk diëgetisch lichaam rotsvast en volledig consistent frame tot frame (wanneer je personages niet te druk zijn met pletten en strekken natuurlijk).
Gerelateerd: Essentiële hulpmiddelen en services voor illustratoren
11. Overdrijving
Waarom houden mensen van tekenfilms? Wat maakt het medium geschikter voor sommige soorten verhalen dan bijvoorbeeld live-action of zelfs een toneelvoorstelling?
We wenden ons tot de wereld van animatie wanneer onze visie verder gaat dan wat fysiek kan worden gedaan. Wanneer we alles in de scène van onder naar boven moeten tekenen, krijgen we veel autoriteit over hoe alles eruitziet, voelt en speelt.
12. Beroep
Als die-hard toegewijden van de Andrew Loomis School of Thought, geloven we echt dat dit deel van jou komt. Je vaardigheidsniveau, je persoonlijke ervaring en je passies in het leven zullen allemaal een cruciale rol spelen in hoe het brood als het ware uit de oven komt.
Beroep kan moeilijk te kwantificeren zijn; sommigen beweren dat het niets is dat je kunt plannen. De meesten van ons gooien onszelf gewoon tegen de muur totdat er iets begint te kleven; er is geen schaamte in het proces.
Je kunst zal je verrassen en verrukken nadat je een tijdje hebt getekend. Het enige dat u hoeft te doen, is proberen.
Animatie voor beginners: waar gaan we heen?
Ze zeggen dat elke kunstenaar 10.000 vreselijke tekeningen maakt voordat ze echt hun beste werk gaan doen. Onze filosofie: hoe eerder u begint, hoe beter u zult eindigen.
De 12 voorgaande punten zijn allemaal een geweldige plek voor een beginner om te beginnen. De enige manier om echt een groot artiest te worden, is door elke dag serieus en met heel je hart te oefenen.
Een doodle in de ochtend? Een schetssessie na school of werk? Als je het eenmaal onder de knie hebt, kan het een beetje moeilijk zijn om het potlood weer neer te leggen.
Deel Deel Tweeten E-mail Hoe start je een carrière in Motion Design?Interesse om motion designer te worden? Leer alles wat u moet weten om in het veld aan de slag te gaan.
Lees volgende Gerelateerde onderwerpen- Creatief
- Technologie uitgelegd
- Computer animatie
- Digitale kunst
- tekenfilms
Emma Garofalo is een schrijver die momenteel in Pittsburgh, Pennsylvania woont. Als ze niet aan haar bureau aan het zwoegen is op zoek naar een betere toekomst, is ze meestal te vinden achter de camera of in de keuken. Kritisch geprezen. Universeel veracht.
Meer van Emma GarofaloAbonneer op onze nieuwsbrief
Word lid van onze nieuwsbrief voor technische tips, recensies, gratis e-boeken en exclusieve deals!
Klik hier om je te abonneren